厦门大学 广告设计基础教案02.doc

1、第二部分 平面绘画基础方法第二章 视觉设计的造型基础与基础训练第一节 广告设计造型基础概述所谓基础，即根基，是事物发展的根本和起点；是有关事物的基本概念、基本规律的知识和技能；是无论时代发生怎样的变化都经得起考验的基本素质。平面广告设计是一项实实在在的具体工作，不是空洞的概念，也不是几番大道理，几句徒有迷人外表的警句可以代替的。阿恩海姆先生在他的艺术与视知觉一书中告诉我们：艺术是最具体的工作 要想期望在图书馆看几本书或是想通过听几场艺术讲座就学会艺术是绝对不可能的。毛泽东同志也告诉我们“实践认识再实践再认识” ，这是经过检验的真理。在我们进行形象表现训练的时候并不只仅仅学会形象表现本身，实际上

2、也同时在进行审美训练。如形象的美感、构图、色彩等等。对于艺术专业的学生，由于专期大多数时间在进行动手实践，所以我们提倡要多加强一些理论知识的学习和思维训练，而对于非艺术专业的学生如果仅想在设计讲述中听听理论，所谓“提高修养”而排斥动手实践，可以说是什么结果也得不到的。这是设计课本身的特点和规律使然。既使是提高“修养”也得在理论和实践的共同作用下得以完成。所以通往广告设计的第一关必须是实践。当我们学会了用口语交流和用文字表达思想感情之后，由于这两种表达形式已经基本满足了我们与外界沟通交流信息的要求，故长期以来大多数人忽视了自己另外一种表达功能的运用，从而使这一部分功能慢慢的呈沉睡状态，这就是人本

3、来就具备的形象表达，以及图形达意的能力。许多人都认为视觉图形表达只是极少数有特殊天赋的人的事，实则不然，纵观人类的发展历程，不难发现和证实，人天生具有图形表达能力：原始人在没发明文字之前就为我们留下了宝贵的图形艺术遗产，儿童在不会写字之前就会用笔涂涂画画，把对现实的印象表达出来，他们个个都是画家、艺术家，故而不难想象，图形表达能力是人人都天生具备的，只是有的人后天继续重视运用，使其得到很好的发挥，给自己给社会带来很多益处。而有的人不重视与开发这部分功能，就使这部分功能渐渐沉睡，这是十分可惜的事。我们现在要做的工作就是有意识的唤醒这部分功能。需注意的是，作为广告学专业的学生，无法象美术专业的学生

4、有那麽多课时，对明暗规律的了解只能是概括的，更重要的是对速写的把握，并且在有限的课时里对素描理论、源流、技法、鉴赏等综合了解。另外一本较全面的素描教材除了以西画素描的教学为基础外，中国画的以线造型的教学也是极为重要的。中国画别于其它绘画式样的表现方法和视觉效果，具有强烈的民族个性特征，它强调“外师造化，中得心源” ，要求“意存笔先，画尽意在” ，达到“以形写神、形神兼备、气韵生动。具有丰富深厚的审美内涵，对于广告设计专业的同学也是必不可少的。它不但有助于造型，还有助于审美修养和鉴赏能力的提高。学习设计的同学其实需要了解得课程是很多的，除了美术基础之外，比如传统图案、民间艺术是设计之源和宝库；文

5、学、戏剧、影视各姊妹艺术也是间接的灵感之源；此外对美术史和设计史的了解，以及对文艺理论的学习也是很必要的。总之广告设计需要的造型基础知识面是较广的，没有广泛深厚的功底，设计就象没有根基的空中楼阁，显得浮浅和没有底蕴。第二节 从素描造型基本功训练进入设计俗语说：万丈高楼平地起，要掌握视觉表现能力，无论如何还得从造型基本功开始，许多年的教学实践告诉我们，广告学专业的同学进行造型基本功训练宜从两大主要脉络展开，一是西画方式的素描训练；二是东方绘画方式的线条笔墨训练。因为西画方式的基本功训练可以使同学得到观察方法、明暗、体积的训练；东方绘画方式的线条笔墨训练，可以使同学们了解民族绘画中的高超境界，如气

6、韵生动、以形写神等等，这两方面是互补的。下面的学习我们就从这两方面分头展开。一、素描的概念通常美术学院的造型基本功都是从素描开始，无论是绘画专业还是设计专业。如果不学习素描，最起码的造型概念都没有，就无法进行视觉表达。但设计专业的素描必须区别于传统素描，根据专业的需要进行素描教学。素描是什么?素描的目的是什么?素描教学在设计艺术教育中起着怎样的作用？素描是造型的基础，在造型活动中起着重要的作用。初学者通过素描的“用单色画画”的形式和过程获得对自然形态的明确、强烈的体验，并协调观察(眼)与表现(手)的一致性，从而形成对造型要素的初步认识。素描又可以是一种艺术形式。人们籍此形式组成画面，寄托情感，

7、表达思想，因此，素描的艺术形式具有独立、鲜明的审美性质。德加说“素描画的不是形体而是对形体的观察”对现代的素描教学仍有指导意义。阿恩海姆说：“积极的选择是视觉的一种基本特征在它们喜欢选择的东西中，最多的是环境中时时变化的东西。 ”“我竭力想要证明的是，视觉不是对刺激物的被动复制，而是一种积极的理性活动” 。阿恩海姆在他的艺术与视知觉一书中又说：“这一心理学理论，鼓励我们把视觉活动称为人类精神所进行的一种创造性活动” ， “一切知觉中都包含着思维，一切推理中都包含着直觉，一切观测中都包含着创造。用这种观点去解释艺术中的理论问题，是再恰当不过的了。 ”对设计艺术来说，它为强化“变”与“创新”意识，

8、充分发挥视觉思维的能动性，为开放设计思路，培养设计者图象设计创新能力，提供了一条更为先进的道路。由此我们认为，作为设计艺术基础素描教学，在设计艺术教育中的作用是显而易见的。素描训练将培养学生的如下基本能力：一、观察能力(正确的观察方法)，二、准确的描绘能力(表现结构的能力和表现透视的能力)，三、明暗的表现能力（表现体积和质感的能力） ，四、创造性表现能力（画面的独创能力、各种风格表现能力） 。下面我们就一一展开来谈_二、素描的具体训练：（一）训练方法之一：正确的观察方法正确的观察方法用一句话来概括既整体的观察方法，它是造型艺术的根本法则。就教学来说，这一观察方式的提倡，将极为有效地转变了初学者

9、本来的拘束于事物局部或细节的观视习惯，成为获得准确描绘能力的重要途径一般地说，艺术家与普通人的观视性质之区别，在于前者善于看形体，而后者仅仅关注形的轮廊，他们的眼睛总是在观看形体的边缘，并且一点点地延续看下去。他们对于形的理解通常是平面的，局部的，表象的，这种观看显然是违反整体造型原则的，也就无法达到准确描绘的目的，自然会影响造型能力的形成与增长。契斯恰柯夫曾经指出：永远不要看笔，而要看形，不要注意线，而要看由线组成的形体，要看整个动向和各种关系。这句话的含义揭示了整体观察的确切要领，并企望素描者改变原初的观察习惯，而获至对整体物象的全面把握。对此，罗丹则作了更精辟的描述：切勿在轮廊上游想，要

10、在体积上精思。素描的整体观察的全部意义皆贯穿于其中。观察的整体性将导致表现的整体性。而整体性则是造型艺术的灵魂。任何形体表现，一旦失去整体的性质便呈现紊乱，失去各构成部分之间的协调有机的联系。整体的表现实质上就是造型秩序的表现。显然，这在一定程度上取决于那种只有通过整体观察才能达到的对物象整体结构的准确把握。（二）训练方法之二：准确的描绘能力准确的描绘能力来自于对形体比例的正确把握，它需要研究结构和透视原理。以训练把握物体的透视比例关系为重点。1、从研究结构入手在这方面，中外名画家无论是理论与实践上，都给我们留下许多极宝贵的经验。结构造型在中国画中体现为“应物象形、骨法用笔” ，是根据对象外形

11、特征所采取的重结构的方法。以线为主的结构素描，从何处入手呢?要从物象的基本空间特征，即物象的结构特征入手。结构特征是物象造型的基本因素，是线条表现的主要媒介。一幅以线条为主要表现手段的素描的成功与否，在很大程度上依赖于对结构的理解程度。物象的结构特征，包含哪些内容呢?主要有四个方面，即：解剖结构、形体结构、构成结构、透视结构。解剖结构是指物象的自然生理形态。如物体的内部骨架构造与形态，人或动物的骨骼与肌肉。这是构成形体的基本因素。如果我们研究的对象是人或动物，由于全身的骨骼与肌肉十分复杂，我们只能从绘画的角度，研究那些对外部造型影响大的骨骼和肌肉，弄清它们的生长规律及运动功能。形体结构是指物象

12、的造型特征。为了便于分析理解物象，将物象原来造型不明确的自然生理形态，归纳强化成一个或多个几何形体；或立方体、或长方体、或锥体、或圆球体、或圆柱体等，使我们对物象有一个十分清晰明了的几体结构的印象。构成结构是指物象由各个局部构成整体的规律。我们在分析较复杂的物象时，总是一个局部一个局部地去分析。一个体块只能体现某一局部，复杂的形体是由几个、十几个甚至几十个体块构成的。这便是素描中很重要的一环。比如说人体，不仅要十分熟悉各局部的造型特征，熟悉各部分的比例关系，还要了解相互间的构成关系，使之联接起来各部分互相协调。透视结构在绘画中，物象的体积是靠正确地表现出其透视关系而呈现的。以明暗块面为主的素描

13、方法是以加强或减弱明暗层次的对比来表现透视关系的。而以线为主的结构素描则是通过线的穿插来表现的。在这里，线条的方向、弧度、轻重、疏密等无不表示一定的透视关系。因此，熟悉透视的基本原理，对画好素描是必不可少的。结构造型方法的特点与规律：结构造型方法是以线为主要表现手段的的素描方法。那麽线条是怎样表现物体立体感的呢?我们以画立方体为例加以说明。在一张白纸上，先画一条竖线，在这里线就起到了分割画面的作用，再加一根竖线，就确定了这一面积的另一端位置，再加上两根上下的线，就得到了物象的一个面在空间的位置。再加上三根线，就得到物象在空间的另一面，加上更多的线，就产生了更多的面。这些面同最初的面结合起来必有

14、一些离我们近，有些离我们远，这样就产生了透视感，物象就具有了立体感。简单的物体，易看得比较清楚，复杂的物象就困难一些，但只要了解上述基本原理，就可以运用它来表现任何复杂的物象。物体本身有前有后，有重叠、有穿插，因此，运用线条的重叠与穿插关系，以体现物体的立体与多层次造型十分重要。一般原则是前盖后、上盖下进行穿插，假如我们在画的过程中穿插有错误，各部分的比例透视关系又不准确，就会感到很别扭，只要调整这根线，画面立即改观。可见线条穿插的正确与否对物象造型的影响极大。线条自身的变化和对比，也能产生一种透视感。我们画一根线条，这一端画得重，那一端画得轻，这两端之间便产生了透视关系。同样，画两根线，一根

15、线画得粗，另一根线画得细，这两者之间也会产生一近一远的透视感。此外，干湿、浓淡、疾徐等也能给人以远近感不同，但并不是说重、粗、干、浓的线一定离我们近，轻、细、湿、淡的线一定离我们远，谁近谁远还要看表现物象时的具体运用。线条的变化是十分丰富的，掌握好线条的变化对于更微妙地表现物象是很有益处的。线条的疏密和趋向对物象体积的表现也很有作用。线条能起到分割体积的作用，有时一根线条在组合中就代表一块体积。在画一些透视比较大的形体时，由于体积前后重叠的层次多，构成体积和线条之间的距离缩小，因而显得密集，所以一般说来，同一个形体，线条穿插的密，则说明体积重叠的多，形成的透视感便强烈。但这并不是绝对的，有时为

16、了画面的处理，密集的线条所表示的并不一定是透视感很强的形体。另外，在物象的塑造中，线条体现为一种力，一种张力与控制力相结合的力，将体积的张力控制在一定范围之内，从而显示体积的大小。特别是弧线，弧度的大小和方向对体积的影响很大，关系体积的丰满凹陷。有时弧向不对，该凸起来的地方凹下去了，或者相反，显然在前后的空间上没有错误，但是左右的空间处理不当，仍然不能正确地显示物象的体积感。线结构造形素描的具体画法：(1)先用直线将基本形定下来，确定透视关系，找出各物象所处的位置及其结构特征。这一步的关键是把握住大的透视关系和结构特征，也就是通常所说的最基本的相互关系。这是非常重要的一步，这个地基如果打得不好

17、，越往下画越糟糕，所以要认真对待不可忽视。抓住物象结构的转折点(即高点与低点)，要明确肯定，不能含糊，倘若含糊，其结构就不清楚了。 （例 图 1）(2)用线将大的关系再调整，明确肯定之后，也可稍施皱擦法，将体积感大体勾画出来。(3)重点进行刻划，抓住结构的要害处及物象特征部分，再赋予变化的线条和笔法进行刻画，刻画中将各部分联系起来构成一个整体。 （例图 2）(4)画面的艺术处理。线的强与弱、软与硬、虚与实，要强化形成对比。其间也可采用皱擦和渲染的办法以突出结构与艺术效果。上述只是线结构造型方法一般的步骤画法。具体写生时，可根据不同的对象采用不同的处理方法。常用的处理方法有二种：一是以线为主结合

18、明暗，二是全用线条表现。 （例图 3） 、 （ 例图 4）2、掌握透视的规律和画法：图像学中的透视图法精确度要求很高，其图法制作也是一个相当复杂的过程。然而在这里我们所要叙述的乃是用最简单有效的方法把透视原理应用于实际的素描。这种图法能作为实际空间描写时的基准，并且透过图形来传达我们的思想以及概念。透视在素描中的作用是表现空间，在一幅画中，空间是一种距离的感觉，艺术家可以取得这种距离效果的方法有多种，这里我们为了便于学习，概括的分为四种：几何透视；视觉透视；深度焦点透视；光晕围绕。几何透视这是一种获取距离的最容易理解的方法。我们都知道。几条平行的水平线是在视平线的一个想象点上会合到一起，比如铁

19、路的铁轨即是如此。这类实例很多，当艺术家们第一次开始理解几何透视的规律时，这种方法就在文艺复兴时期被广泛地应用了。而今，这种方法还是如同几百年前同样有效。视觉透视这种创造空间的方法，是建立在视觉或空间透视的理论基础之上的。几何透视是对空间的数学解决方法，而透视则是一种光学解决方法。这个理论是列奥纳多达芬奇在十五世纪早期首先总结出来的。它基于这样一个事实：那围绕在我们周围的空气始终不是完全透明的，并且在色彩上稍带兰味。因此，一个远处的物体要比前景的物体更为模糊，在色彩上更带兰味。如果你想使某种物体在空间中后退，可以把它画成偏兰味的灰色，并使轮廊线变得含糊和朦胧。焦点距离透视这种取得空间的方法是基

20、于以下的事实：人类的眼睛一次只能集中在一个距离焦点上，由于这个原因。那些不在眼睛的这个距离范围内的物体就会超出焦点，从而变得模糊。因此，物体离这个焦点距离越远，它们就会越不清晰。为此，如果你要使一个物体在空间中退到另一个物体的后面，那么就把一个物体画得鲜明和清晰，而将另一个物体画得模糊和朦胧。光晕围绕这种创造空间感的方法，是在一个物体的周围用晕轮围绕。如果你发现某一个物体在它的背景下还不够突出，那么可以试着在它的周围放上一个模糊的光带，沿着物体边缘画得鲜明些，朝向背景处逐渐淡化。从光学上来说，这正是自然界中发生的现象，也是分离一件物体的有效方法。艺术史上有许多大师，他们被绘画中的空间相互作用和

21、表现空间的问题所吸引。曾从理解和运用上述的一种到数种方法中创造了绘画的空间取得了效果。（三） 、训练方法之三：明暗表现能力1、从研究明暗变化规律入手要研究明暗变化的规律，必须首先了解明暗变化的条件。也就是说，当物体呈现在我们眼前时，即出现极富变化的明暗色调，这种明暗色调的变化是由哪些因素决定的呢?A、光的作用：光源自身的强度影响明暗色调的变化。光源强，明度高，黑白对比强烈。光源弱，明度低，黑白对比较弱而显得柔和。B、物体自身结构面的转折变化：也就是物体本身结构的差异而构成了大小不同，朝向、起伏各异的面，在光源的作用下明暗色调才随之而变化。C、物体与光源的距离：物体与光源的距离影响明暗色调的变化

22、。物体离光源近，明度高，黑白对比强。物体离光源远，明度低，黑白对比较弱而显得柔和。D、物体与光源的角度：物体与光源的角度影响明暗色调的变化。物体表现与光源成垂直角度，明度高而显得强烈明亮，如物体的高光点。物体表现与光源形成的角度愈大，明度愈低而愈显柔和灰暗，如物体受光部分大量的灰色层次的变化即是如此。F、物体距离眼睛的远近：物体距离眼睛的远近影响明暗色调的变化。一般说来，离视点近的物体，感觉清晰，其明暗对比、色调变化就显得强烈明显。反之，就觉模糊，其明暗对比、色调变化就显得愈弱。G、物体自身的质地和固有色的不同：物体自身的质地和固有色的不同影响明暗色调的变化。一般说来，物体质地粗糙，固有色偏深

23、，明暗色调变化就柔和而显得晦暗。之反，物体质地细腻，固有色低浅，明暗色调变化就比较强烈而明亮。H、环境的不同：环境的不同影响明暗色调的变化。环境色反映强烈，明暗色调变化就明快。反之，环境色反映较柔和，明暗色调变化就显得沉着而含蓄。当然，除了以上所分析的条件之外，还有多种因素。比如作者对所描绘对象的认识和感受是否深刻，以及画者所具备的艺术修养和艺术气质等。有关这方面的课题，在基础教学中不作更多的论述。为了学习方便，我们用一种普遍的规律概括一下明暗色调变化的一般常识，便于理解和掌握，即 “三大面”和“五调子” 。它对于初学者非常有效。三大面：物体在空间中的存在占有高度、宽度和深度三度空间，在光源的

24、作用下明显形成黑、白、灰三个大面的色区。一个物体在我们的视觉中之所以能感到它是一个立体，主要是由于物体本身的三度空间所形成的体积，使之具有立体感。所以，物体的高、宽、深是形成立体的三个基本因素。例如，一个六面立方体，在一定视域中，平行正对我们的一个面，从左到右是它的宽度，从上到下是它的高度，与这个面相邻的两个侧面和上下两个平面，向纵深而去的是它的深度。高度是表示上下的距离，宽度是表示左右的距离，深度是表示前后的距离。绘画是在平面上表现这种立体的空间关系，因此在进行素描基础训练时，一开始就要牢固地建立起这样一个强有力的空间概念。在素描写生中，一个物体通常都是从一个固定的视点去观察和表现，因此物体

25、所有的面不是都能看到，至多只能观察到三个面。比如一个六面正方体，从一个角度就最多只能看到三个面。为此，只要能准确的表现出这三个大面的形、透视变化和明暗关系，也就能恰当表现出它的立体感。这便是物体“三大面”的基本概念。 （例图 5）五调子：五调子是对物体在光的作用下所形成的明暗调子关系的归纳和解释。文艺复兴盛期，意大利巨匠列奥那多达芬奇所建立的五种基本调子的概念，他以一个鸡蛋为例：一是高光，二是中间调子，三是明暗交界线，四是反光，五是投影。现代教学在此基础上进行演艺大多作如下划分：如以园球为例（并按作画顺序排列）：一、明暗交界线；二、背光面（包括反光与投影） ；三、受光面；四、中间调子；五、高光

26、。具体内容如下：明暗交界线，是物体处于受光面与背光面间最暗的部分，形成一带明显的界限。由于它既受不到光源的照射，又受不到环境的反射，所以显得特别暗。明暗交界线，并不是一条简单的“线” ，它的宽窄、深浅、虚实的变化是随形体结构面的不同而产生不同的明暗变化。因此处理得恰当与否对立体造型关系极大。背光面，是物体不能直接受光的部分，由于处于暗面，因此结构与面的转折不如亮面清晰、明快。暗部的组成还有反光与投影，反光是环境反射光的部分，是物体暗部向纵深转过去的面，在受到周围环境的影响时既形成反光。素描练习中若将反光画掉或者画得太强和太弱，都会导致物体失去应有的空间深度与体积感。反光应保持在与暗部统一的调子

27、之中，通常情况下应不超过受光面调子的明度。投影是物体遮住了光源，在背景物体上产生的投影，或是物体本身高出或凸起的部分遮住了光源，在物体的其他部分产生的投影。投影的明度，以遮光体的高低、光源的强弱、投影面的远近等不同而变化。受光面，是物体受光线直射和侧射的部分，它由于物体结构面的转折变化在光作用下，这个面总体上显得明快、清晰。中间调子，受光部呈现出许多不同层次的灰色调子直至明暗交界线部分。有人称之为“中间调子”或“半调子” 。在物体上这部分既不直接向光也不背光，其明度随各部分体面与光的角度不同而变化，均介于亮与暗之间。这部分在物体中所占的面积较大，调子的层次也最复杂，对这部分的描写与表现，直接关

28、系着调子变化的丰富与否，因此要细心研究与比较。高光、高光是由光源的直接反射形成，也叫辉点，是物体受光源直射，并直接反射光源的最亮那部分。不是每件物体上都有明显的高光存在。一般讲，表面质地光滑细腻，反射光源比较强的物体，最接近光源并与光线成垂直的部分，才呈现出明显的亮光，然而质地粗糙的物体，看来表面并无高光，但按照物体在光照条件下的明暗变化规律，高光的部位仍然是存在的，而且在表现时不容忽略。 （例图 6）在三大面五调子的基础上，初学者还必须掌握一下三大规律：明暗对比规律：黑与白和明与暗的对比与统一的规律构成了素描主要的艺术语言。我们是运用这一规律来画素描，要熟练掌握这一语言。对比的调子可以多，也

29、可以少，有意识的去做，而不是照自然模仿。掌握明暗时要注意几种对比：一是亮和暗的对比，这较容易理解和掌握。二是暗和暗的对比、亮和亮的对比，这是往往容易被忽视的对比方法。所有亮部，哪一个最亮；所有暗部，哪一个最暗，得出暗部中调子的区别，亮部中调子的变化，这样才能使明暗层次变化丰富，避免重复，克服画面花乱灰暗之感。三是画面全部相近颜色之间的对比，如果相近颜色不加以对比则最容易重复和产生灰的感觉。中间面调子的对比很细微，掌握好了画面就会产生自然丰富的调子变化。虚实对比的规律：一幅画中哪里虚，哪里实，首先要明确地加以分析，有意识地、主动地运用这一规律。虚实对比在绘画艺术里是十分重要的因素。千万不要画一忘

30、二、顾此失彼、漆黑一团，主次无序，虚实不分，一般地说，主要的重要的部分要实在，次要部分虚一些；一个画面的前景要实一些，后景要虚一些；有虚才有实，有实就有虚，两者皆有才能构成绘画艺术。主体与非主体的对比规律：画一幅素描，首先考虑主体是什么，如果是画一幅人像以刻划他的形象为主，脸部突出哪一部分，这是作者首先应考虑的问题，作者的情感表达应放在哪里。倘若画一个平光下的女孩，有素雅之感，眼睛是刻划的主体，虽然头发是黑色，但不能画得过黑超过眼珠。同样在画一幅人体素描时，画中要有粗犷的东西以衬托人体的细致优美的感觉，与人体形成对比。2、明暗素描的具体画法A、根据对象在画面上定点落幅，其目的是决定构图。此时，

31、应考虑对象在画幅中上下左右所占据的空间位置。随后用较长的直线，画出对象的基本轮廊和形体结构。要注意形体的比例、透视和大关系的比较，以及对象形体结构的内在联系，进一步确立画幅中物象的轮廊位置及分割关系。B、根据对象具体形体特征，找出面形结构的关系，进行形体结构的“分面”理解。对形体的“分面” ，要明确肯定，不能含糊。C、整体观念、全面比较，画出大的明暗调子和形体结构关系，明暗调子是表现形体结构的一种手段。要正确地画出大体明暗色调，大的体积和空间关系，应该先从明暗交界线开始，先画暗部，再画亮部，背景与主体应同时进行，普画一遍。这一步是研究调子和对比关系的大效果，力求用笔用色要轻要淡，要保留一、二分

32、的浓度，为下一步深入刻划奠定基础。切忌将画面画得过黑，要顾及整体，不能过份注视细节部分的变化。D、深入刻划，应把握局部与整体的关系，研究形体特征，从主要部分开始深入刻划细节。深入刻划的含义，绝不等于对每个细部都着力相等的去画，而是以主要部分为准，逐步推向次要部分，使主体突出。在这一步，初学者最容易犯的毛病是：孤立地刻划局部，而使各局部细节失去在整体中的分寸，而造成整个画面的明暗关系混乱，使画面呈现花、乱、脏。在深入刻划细部过程中要注意两点：一是随时调整形体，避免产生结构错误；二是随时调整局部在整体色调中的比例关系，避免画过头。要善于用调子去充实形，表达形在空间中的正确关系。E、调整修改与艺术处理，这是在素描行将结束时为取得和谐完美的表现效果对形体提练取舍的最终手段。在这一过程中，为了突出主体，需要把握画面形体的进退关系。一般来说，在明处、实处、主体部位、关键部位、视觉中心部位进行必要的提炼和加工，以突出主要形体，这谓之为“进” ；在暗处、虚处、次要部位、非关键部位、背景与非视觉中心地带作必要的概括舍弃，将有碍整体突出的跳跃的局部形体减弱或淡化，使这含蓄或隐退，这谓之为“退” 。有“进”和“退” ，有张有弛，形体则虚实有序，主次得当，全局和谐而成于一统。 （例图 7）