1、 序号 _6_通识教育课程论文论文题目：中西动漫文化（音乐）比较姓 名 梅伊莉 课程名称：世界经典动画与配乐 学 院 信息工程学院 专业班级 光机电测控 10（2）班 学 号 3210002610 联系方式 15014289234 （手机或邮箱）2010 年 10 月 29 日说到动漫，我首先想到的经典形象就是米老鼠、加菲猫、机器猫小时候最喜欢的就是樱桃小丸子，都是国外的动画，中国也有属于自己的动画吗？中国动画片未能在国际舞台上重新崛起，很大一部分原因是对传统创作理念的过分继承，创作思维没有与时俱进。为什么西方的动画作品能如此成功，到底中西方动画作品有什么不同呢？声音对于动画片的意义重大，可以
2、说是动画片不可或缺的重要组成部分。声音与画面的结合给动画带来了更广阔的表现空间和更真实的环境，也带来了更有趣的故事和更真实、更讨人喜欢的角色。动画片赋予了声音才使片中的世界更加真实可信，而又因为各国文化的差异，中西方的配乐又有所差异。日本的动画在东方是享负盛名的。他们经常把日本的特色乐器与管弦乐器等欧洲乐器相结合，形成富有特色的民族风格。火影忍者里的经典配乐，日本传统乐器与现代乐器的完美结合，使整首音乐透出浓浓的哀伤，正如乐曲名在火影忍者中多次出现，尤其是白之死章节，将自身世的凄苦和自死的悲伤渲染的淋漓尽致，催人泪下。后面用日本民族弹拨乐器一三味线的弹拨表现凄凉、孤独的哀伤，三昧线：一般认为起
3、源于中国的三弦，大约成形于 15 世纪左右。中国的传统乐器三弦经过琉球王国( 现在的冲绳) ，产生了早期的冲绳“三线” ，之后传到日本本土，逐渐成形。不难看出整首乐曲的特点，运用了民族乐器尺八来表现了苍凉，悲痛的心情，弦乐用和声手法做了背景铺垫，吉他分解和旋式的作为第二声瓢首先在音色使用上，使整首曲子充分的体现了民族性与现代性的结合。再来看看音乐动机的选用。日本音乐中音阶可分为阳音阶和阴音阶，样音阶包括各种类型的无半音五。声音阶：阴音阶则包括各种一个或两个伴音的五声、六声、七声音阶。日本音乐红构成旋律的基本单位不是八度音阶，而是四度三音列。都市传统音乐，它们的旋律多数是取材于日本都市的传统音乐
4、，而都节( 市) 音阶则是构成这种典型日本味几旋律的基础：都节音阶它虽然也是一种 5 声音阶，但与中国和东方许多民族常用的无半音 5 声音阶不同，包含了两个小 2 度(半音)音程，这种特殊的 5 声音阶便成为构成通常人们所熟悉的日本音乐风格的最基本要素。日本音乐的曲调常用 do、mi、fa、ra、xi 五音，而中国民乐则常用宫、商、角、徵、羽五音，这使得中国民族音乐充满了富丽堂皇之感，而日本民族音乐则蕴含了浓浓的物伤情结。老的日本民谣大多数使用羽调式的民谣音阶，民谣音阶它分布于日本本土的广大地区， 拉网小调就是用这种民谣音阶。而大多数在近代已都市化了的民谣则用都节音阶，例如著名的樱花就是这类民
5、谣的典型， 樱花是一首非常简单非民谣曲子，音程基本上都是由二度和四度构成的。我国传统动画中的配乐设置上音乐一个重要方面是充分吸收我国传统音乐、民间音乐和各地方音乐的精华，是动画片呈现出民族特色。说教意味较浓，好像小孩子需要时时刻刻被教导，歌词平铺直叙，创意不多，听歌就知道是什么动画了。多是针对该动画表层来写歌词，直抵动画灵魂的歌词还真的很少见。曲调较为儿童化，很少有向国外那样适合大人唱的动画。首先是我国动画受戏曲的影响深远，许多我国传统动画的作品都可以或多或少受到戏曲的影响。 张飞审瓜改自同名戏曲，片中的音乐完全是戏曲的音乐，角色说话总是随着片中音乐的节奏而抑扬顿挫，音乐体现出不同的故事情节。
6、 哪咤闹海是把传统化完美融入动画片的经典之作，它不仅在动画片角色的形象设计上具有独特的中国特色，而且配乐设置方面也是继承了大闹天宫中对于传统音乐的运用，该片运用了两千多年前的古乐器编钟，浑厚的音色不仅增添了动画片的悲壮感，而且增添了动画片的民族气息。西方的文化当然要以美国为代表，美国优秀的配乐大师有很多，却好像没有几位比较让人有深刻印象的，可能是人才太多了，每个人都那么优秀，也就凸显不出最优秀的人来了。也许这也见证了美国人追求自由和个性的信念，让每个人的个性得以充分发展吧。美国优秀的动漫作品很多，米老鼠、唐老鸭这些经典形象至今还在我们脑海中停留，成为我们美好的回忆。美国动画以主流动画为主，有较
7、强的主流化倾向。二十世纪三十年代中期，迪斯尼动画影片开始在世界范围内产生影响。接下来的日子，迪斯尼公司虽然经历了第二次世界大战带来的动画市场的经济损失，以及 60 年代中沃尔特迪斯尼的去世所造成的创意匮乏，但也取得了世界上第一部长篇剧情动画电影白雪公主 （Snow White and the Seven Dwarfs）上映所带来的辉煌，以及奥斯卡奖项的垂青。与此同时，动画电影音乐形成了相对稳定的风格，产生了大量的专职动画电影音乐作曲家。并有了与真人电影长度相似的动画电影“经典动画” （Classics） 。 “经典动画”在一个平面上拍摄，把在鲜明的背景上活动的一些人物的动作分解为各个画面，逐格
8、拍摄下来，连成故事，制作方式就是使用传统的绘画方式。在迪斯尼动画电影音乐的成熟期， “经典动画”是迪斯尼公司的招牌。在迪斯尼所有经典动画当中，大部分都是以长篇剧情片为主。以上这些元素都标志着迪斯尼动画电影音乐进入了它的成熟期。二十世纪三十年代中，作曲家们开始不满足于仅仅依靠拼凑现成音乐素材来为动画进行配乐的状态。原来的方式对于他们来讲似乎缺少创造，著名的动画音乐作曲家斯科特布拉德利 (Scott Bradley)这样描述他的想法“ 在我看来，几乎任何人都能做这样的收集工作，收集一大堆儿歌、摇篮曲和快节奏的民间曲调，然后把它们随着滑动的哨音和各式各样的噪音匆匆拼凑在一起，这就被称作动画音乐。这不
9、能令我满意，也不能真正的令公众满意”。所以一些动画音乐家在这时开始考虑要去创作原创性的动画音乐，并取得了一系列令人瞩目的成果，如：为迪斯尼公司赢得商业成功的谁会害怕大坏狼（Whos Afraid of the Big Bad Wolf） ，这是一首出自 1933 年创作的动画影片三只小猪中的歌曲；还有 1937 年白雪公主中的全部音乐；以及为迪斯尼赢得奥斯卡音乐奖项的木偶奇遇记中的音乐。到了四十年代初期，原创性音乐已经成为迪斯尼动画电影音乐创作的主流，原有的现成素材拼接方式，逐渐减少，以至消失。早期迪斯尼动画电影音乐的创作流程是非常不固定的，而这一时期，动画电影音乐的创作流程被基本固定下来了：
10、作曲家常常是在音乐录制前都不能够看到影片，而只能和导演就音乐问题进行商讨，作曲家们会收到一个细节表（Detail Sheet） ，也可以叫做曝光板，这些薄板就是在纸上展示了动画人物的动作，就像一个小型故事板。由导演来决定动画人物的动作速度，例如：一个动画人物走多快，都会在这张极为精细复杂的板上表达出来。比如：每八帧走一步，还是四帧挥一下手。这些信息都会写在给作曲家的细节表上，并规定了每个动作所持续的时间长度（以帧为单位） 。这张表还对每一个动作的性质都有确切的描述，并在描述的文字下面附有五线谱，以便作曲家对应写下音乐的草稿。当作曲家有了这张“帧长度”表，他就可以用数学方法计算出节奏和所有的时长
11、。因此一个动画作曲家，要想完成工作，至少要清楚三件事：第一，一个动作序列持续几秒；第二，在这个序列的什么地方需要特殊的音效、或是使音乐达到高潮，甚至是需要停止；第三，这个段落的总时长。当明确了这些以后，他就可以开始动手写音乐了，这就是它的流程。除此以外，作曲家有时候能得到一个影片故事板（Story Board） ，这是一个由黑白粗略的线条画出的和完整动画影片对应的东西，经常被作曲家看作是漫画书。它概括了故事和动作包括每个方格的时间长度，故事板至今仍在使用。为动画片创作音乐是十分耗时，这并不是作曲家的能力不够，他们大多数有很好的作曲、配器、制作的技巧，有与生俱来的戏剧感觉，而这又是做电影音乐所必需的，而且他们的幽默感很好。之所以耗时，是因为需要花大量的时间考虑段落与段落间的音乐的接和问题。一位有经验的动画音乐作曲家说“这需要经验，才能操纵这些旋律，使它们连接的很好，我一天能做 2 分钟的片子。 ”但不管怎样动画电影音乐的创作时代开始了。不同的音乐背景使得中西动画创作在动画配乐风格方面大相庭径，但我们都可以从中欣赏感受到音乐的美和当地浓厚的文化气息，总之，配乐使动画真的动起来了！
