1、 1 全国艺术职业教育等级考试 儿童画 考试知识要点 绘画是儿童普遍喜爱的一种活动。这项活动在发展儿童智力、对儿童进行美育等方面有着不可忽视的作用。 一、 儿童画的特点 儿童画有其自己的特点。在创作题材上，儿童善于表现成人所不易注意的另一个世界。这个世界是现实与理想的结合，带有很强的想象成份。他们画自己，而画面上的自己经常出现在想象的特殊环境之中，如与外星人、机器人、拟人化了的小动物们在一起。他们没有去过海底和太空，却爱画海底的世界，喜欢描绘天外的世界，在这类画面上，我们看到了未来的希望。儿童画是现实和理想的结合，如 有个儿童画的 “ 水果丰收 ” 竟在一棵树上，挂满了硕大的西瓜、苹果、葡萄、
2、梨子、山楂果等，尽管与生活相悖近乎荒唐离奇，然而充满了想象力，还带有探索未来的神秘气息。儿童画题材的另一特点是对现实生活作稚气的描绘。儿童们画周围的世界：爸爸、妈妈、踢球、放风筝等，带有很强的主观表现成份。我们在儿童所热衷表现的绘画题材里可以看出，在孩子们的心中，世界是美好的，多彩的。 儿童画在表现形式方面如造型、色彩构图等也有其自己的特点。儿童画好的造型，由于是在自己直观感受的支配下进行的，缺少理性分析，带有强烈的感情色彩。因此，儿童笔 下的形象往往与现实的对象有很大的差距，有时夸张，有时削弱，有时浓烈，有时淡雅。他们不从物体的外貌上追求形体的透视、比例，尽情夸张，却收到意外的效果。儿童画在
3、造型时，还有一些独特的创造。比如人头的仰视是不好画的，这在成人画家处理起来也是感到棘手的，儿童竟以其特殊的方式加以处理。有个 5 岁的小朋友画看星星的娃娃，把正面的人头反着画，动态感一下就画出来了。儿童的观察力是简单的，他只紧紧地抓住那 “ 动 ” 的特征就行了，别的不去管。抓特征，属于一种整体的观察方法，只有大量去掉非特征性的枝节，才可能从大体上保持住特征，这种从 整体观察事物的方法，正是儿童观察事物的突出特点。 儿童由于生理特征关系和知识局限，在造型上常常不按物体的实际比例进行描绘，他们做不到面面俱到，无法分析物体之间的比例关系。儿童画人，头的比例常常很大，而头上的眼睛也很大。因为儿童看人
4、首先吸引他的是人的头部，在头部上又总是人的眼2 睛。一个婴儿，当妈妈俯身去抱他的时候，他总是紧紧地盯着妈妈的眼睛，而当他能拿起笔来作画的时候，这种观察方法就从画面上反映出来了。儿童处于发育生长阶段，他们幼小的手缺少强健的肌肉，没法很有控制力的去描绘对象。然而他们又力图控制自己，使笔下的 线条自然形成一些有抑扬顿挫的偶然效果及独特的稚趣，讲神似不求形似，使人看后叹为观止。 儿童画的色彩也具有很强的稚拙味和特征性。儿童对色彩的认识是单纯的，他们很少注意生活中丰富的多层次的灰色调。在他们的眼里，红的就是红的，绿的就是绿的，蓝的就是蓝的，不会将红色从色性分为冷红和暖红色，这些他们不去考虑的。在表现上，
5、他们还大大夸张其色彩的程度，如蓝色的海水，他们可以用纯湖蓝色去表现；而太阳，用大红或朱红去表现，他们对色彩的认识十分执着，没有哪一个孩子肯把大公鸡的冠子画成绿色的。于是，儿童在色彩未经调合的情况下，大 胆地使用对比色，用纯度较高的原色取得画面响亮的效果，形成粗犷、明快、朴实、热烈的色彩风格。这种天真稚拙的、跳跃的、富有节奏感的色彩，与它的造型特点有机地统一了起来。 儿童画的构图别具一格。儿童画多采用平面构图，这样的构图装得多，容量大，便于表现儿童的感受，因为儿童总是恨不得把自己知道的所有东西都搬到画面上去。为表现树在前面，他们把人画到树的上面，为了表示道路的遥远，把道路画到天上去，显得不合理而
6、又合理，令人咀嚼不尽。他们那自由、奔放、大胆的构图形式，将他们自己痛快淋漓的创作情感倾泻在纸上，也是充满激情的稚拙 味。因此，儿童画的造型、色彩、构图三位浑然一体，有机地传达出一种稚拙的美。 二、 儿童画与成人画 儿童画，由表面看来是不讲什么技法的，它和农民画一样，不讲 “ 画理 ” 、 “ 画法 ” ，逾越了透视、解剖、构图等一般常规，是非 “ 学院 ” 派的画派。 儿童的绘画语言，炽热的情感，特殊的魅力影响着画坛的成人。许多画家收藏儿童画、临摹儿童画，学习儿童富于活力的造型方法，学习儿童大胆、直率、朴实地表达主观感受。世界知名的大画家如马蒂斯、毕加索、克利、齐白石、关良等均研究儿童的艺术语
7、言进行艺术创作。现代儿童题材画家李平凡、温泉源、陈永镇等人 的绘画作品中，都可以看到儿童画对他们的影响。为什么画家到高级阶段转而去向低级阶段学习呢？这就要去研究一下儿童为什么作画，儿童画在绘画艺术中究竟处于什么位置。 绘画并非是所有的人都喜爱的一种艺术表达手段，但几乎所有的儿童都喜欢画画，它是儿童智力发展的某一阶段。七岁以前的儿童语言表达能力有限，书面表达能力更谈不上，而3 现实世界所给予他们的感情冲动使他们迫不及待地抓起笔来，涂抹他们所看到的一切，于是画起画来。而当他们有了其它的表达能力时，有的人就不再画画了，如上学后的儿童画画的少于学龄前的，中学生少于小学生，大学生 更少于中学生了。 儿童
8、作画时并未意识到是为将来打什么绘画基础，而是在借助绘画这一形式表达自己的感情，进行创造。在儿童幼小的心灵里，既有他们还没法理解的各种自然现象，又有他们在现实生活中看到的一切。儿童们从不乱画，即使表面看来最乱糟糟的东西，他也能给你解释出个一、二、三、四来。一个奇怪的几何形体，那也许是他的爸爸；而旁边的三个点，他说那是一支香烟；一条奇怪的线，他说是火车站的长廊。儿童的创作活动同成人的创作活动是一样的，而儿童用稚拙的技法去进行创作。有人认为低龄儿童的绘画纯粹以娱乐为动机，这有些片面性。儿童乐 于画画，从中体验到审美快感，但并不以此为动机，儿童的绘画目的着重于表现。 儿童如何能进行创作呢？创作是一种高
9、智能的活动。蔡若虹说： “ 艺术作品的产生，并不是单独依靠作者具有高深的技术修养，主要依靠作者有一个精神饱满和感情丰富的内心世界。 ” 儿童的内心世界可说是饱满的、丰富的，他们是借自己不成熟的画笔、嗓音、演技在写，在唱，在演奏，在倾吐着自己的内心感受。成人有意识地把生活反映到画面上去，儿童尽管也力图把生活和感情反映到画面上，他却没有意识到自己是在创作。有的儿童小时候画得很好，甚至拿过金牌奖，而长大后绘画技巧却 平平，尽管他自己也很努力。而一些小时候默默无闻的孩子，长大后却一鸣惊人当了画家。这问题使许多人困惑不解，以为儿童画有某种骗术， “ 儿童画是哄人的 ” 。当理解了儿童为什么画画之后，我们
10、就明白了曾拿过金牌的孩子不是退步，而是他们表达能力转移到其他方面去了。儿童画与成人画的关系不是低级和高级的关系，不是一个隶属于另一个基础的关系。儿童画家能否变成成人画家，这要靠儿童自身的艺术素质和在成人的得法培养，个人勤奋又起着重要作用。 三、怎样指导儿童画画 常有人认为儿童画是绘画的初级阶段，对儿童画横加指责，这不象那也不象，要他 们服从严格的基础训练。有的家长让孩子老画一种东西，弄得孩子没法画下去。有的采取 “ 拔苗助长 ” ，效果却适得其反。还有的不让孩子画画，抹杀其创造力，这些都不对。 针对儿童绘画的特点，我们指导儿童画画，首先是鼓励儿童画画，因势利导地让儿童进行这一创造，要引导他们仔
11、细地观察事物的特征，启发和保护儿童的想象力。画画是儿童智力发展的某种阶段，对于开发儿童的智力很有益处，不要以为儿童长大后不见得就能成为画家，小时候画画便是多此一举。当儿童画画的时候，他的大脑和手无疑都受到了锻炼，绘画4 对他的观察能力和思维能力及阅读能力都有 很大的帮助。许多学校的老师都反映，爱绘画的学生，一般都思想活跃、思路开阔，逻辑性强，他们不光画画好，其他功课也好，尤其语文表达能力比其他学生好。同时，通过绘画学习与创作的艰苦过程，锻炼了儿童的意志，增强了儿童克服困难的毅力。 其次，我们还应当掌握儿童绘画的阶段性。当儿童由幼年时期进入少年时期，有的儿童不再画画，而有的儿童不再满足于幼年期的
12、创造，把目光转向了高一层的技法学习，这样的儿童成年后有可能成为画家，我们不能耽误了人才，要及时发现孩子的倾向，给他们以正确的指导，使之成材。通过儿童的绘画创作活动，能够发 展儿童的观察能力、思维能力、想象能力和创造能力，因此我们应该尊重儿童对美的创造，不要小看了儿童画。 全国艺术职业教育等级考试 国画考试知识要点 1中国画是我国传统造型艺术之一，也是我国传统民族绘画的统称。在我国，中国画简称为“国画”，古称“丹青”。中国画以国名命名，这不仅意味着它与城外艺术特别是与西方艺术有所区别，也意味着非中华民族莫属的审美品格。 2中国画是以水为调和剂、以墨为主要颜料、以毛笔为主要工具，画在宣纸或绢帛上的
13、一个画种。由于墨要在砚盘上研磨，所以我国传统上就统称这些工具材料 纸、笔、墨 、砚为“文房四宝” 3由于中国画所用材料的独特性，使中国画能够产生千变万化的笔墨渗化效果。同时利用中国画独特的矿物质颜料和植物埴颜料，能产生色调典雅、沉着高贵、变化丰富的色彩效果。通过笔、墨、纸、色的组合运用，又能产生出微妙无穷的独特的彩墨效果。中国传统绘画上高度发展的笔墨技巧，就是充分发挥特殊工具材料之独特性能的结果。 4以线造型、书法入画、讲究笔墨，是中国画的重要特色。张仃的焦墨山水画。画中线条流畅洗练，给人开阔的空间感，这种黑白调子是一种境界很高的美。 5在一幅好的传统中国画中，线起主帅作用，墨 色、颜色起辅助
14、作用。线的粗细、疾徐、刚柔、曲折、方圆、顿挫等变化，可以表现出不同物象的形体感，造成不同的情趣。中国画的墨色变化和以线条为主的勾、皴、点、染、浓、淡、干、湿、阴阳、向、背、虚、实、蔬、密和留白等多种表现手法，具有高度的提炼概括技巧，充分体现了民族的精神，因而成为光辉灿烂的民族绘画艺术。中国画线条的美感是油画所不具备的。 5 6在我国的传统文化上，由于书画同源，两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此中国画同中国书法、纂刻相互影响，形成了显著的艺术特征。中国画融诗词、歌赋、书法、 绘画、印章于一炉，诗、书、画、印相映生辉，这也是任何绘画艺术都没有的独特艺术形式。它们使得画面稳正
15、平衡、变化呼应、含蓄美观，更能诱发人们的丰富想象，使绘画语言的表现力更加强化 7中国画中的一个重要品种是水墨画。水墨画特别讲究墨色的变化，有“墨分五色”之说，表明是在单纯的色彩中求丰富性和微妙性。墨因所含水分的不同造成的浓、淡、枯、湿、焦以及通过皴擦点染等手段在画面上形成造型的和色彩的语汇，予人以美感。我国最先在水墨上做出有价值探索的是唐代的画家王维。后来宋、元、明、清出现了许多水墨大家。因为从事水墨画创作的 作者是有较高文化艺术修养的文人，故水墨画又被称为“文人画”。 8中国画的分类？ （ 1）中国画从题材、内容上主要可分为人物、山水、花鸟画几个大类。 人物画：凡以人物为内容的绘画统称人物画
16、。人物画范围很广，根据画面人物的多少一般分为群像画和肖像画。前者以突出人物活动为主，后者以描绘人物形象的酷肖为主。二者表现的侧重点虽有不同，但都要求形神兼备 即人物形象不但要表现人物的形体特征、服饰结构、比例、场景透视原理等，还要表现出人物的性格、气质和精神、神态等。人物的面部是描绘的重点，同时还要处理好人物与人物，人物 与环境之间的关系，以求得人物及人物动作和整体画布局（章法）的统一。另外，中国人物画以用线条表现人物的神情（神似）为其主要特点，因而有别于西方绘画注重质感、光影变化的特色。方增先的“说红书”就是一幅形象生动的水墨人物画。说书人的动态刻画得惟妙惟肖，听书人个个专心致志、聚精会神、
17、构图与笔韵墨趣都让整幅画“神”采飞扬。 山水画：山水画是中国画特有的画种之一，是描写山川自然景色为主体的绘画。在我国魏晋南北朝时，山水画已逐渐从人物画中分离出来，形成独立的画料，到唐代已完全成熟。中国山水画表现的是自然的精华、天地的秀 气，所以阴阳、晦冥、晴雨、寒暑、朝昏、昼夜均可写入画中，显出无穷的妙趣。我国古代从六朝到唐代山水画家虽然很多，但他们的笔法，构图却很古拙。到了李思训、王维等便较为完善了山水画的画理、画法，章法（构图）逐渐形成了中国山水画的面貌。五代的荆浩、关同更有新的创新，一改陈规旧习，使中国山水画出现了新的局面。到了宋代，李成、范宽等名家辈出，风格多样，他们都重视忠实自然，技
18、巧上有了巨大的创造，把山水画法推向了新的水平。“雪景寒林图”传是宋朝范宽之作，图中群峰耸立、寒林萧然，远山莽莽苍苍、气象万千。整幅作品幅面宽阔，磅礴 ，显出一种古6 拙敦厚的风貌，表现了山岳的骨气，饱含了深沉的精神境界，让我们感受着雪景寒林之美。 花鸟画：花鸟画是中国绘画门类中特有的一种绘画画种，以描绘花卉、竹石、鸟虫等为作画主体。在我国四五千年以前的陶器上就出现了简单的鸟鱼图案，这可以视为我国最早的花鸟画了。到了东晋、南朝宋时，画在绢帛上的花鸟画已逐步形成了独立的画料。到了唐代，花鸟画已趋成熟，出现了以工笔勾填、画风艳丽和以墨代色、墨分五彩的不同风格的花鸟画。五代时期皇室贵族生活的奢侈华美和
19、文人士大夫养花植竹、托物寄情的闲情逸致，让人们增强了对自然花鸟的 兴趣，也使得花鸟画在唐代基础上有了巨大的进步，产生了以黄荃、徐熙为代表的一大批花鸟画家。明代的花鸟画描写精细、擅作大幅，构图饱满，常把花鸟置于特定的环境中，不仅承袭了中国花鸟画“写生”、“寓意”的传统，而且在没骨点染、水墨写意技法的发展中起到了继往开来的作用。著名花鸟画家有边景昭、孙隆、林良、吕纪等。到了明朝后期，出现了一代花鸟画大师徐渭（晚号青藤）他从根本上完成了水墨写意花鸟画的变革。徐渭所创立的水墨大写意花鸟画，对以后清代的八大山人、石涛、扬州八怪以至近代的吴昌硕、齐白石都产生了深远的影响。陈之佛的一幅 现代工笔花鸟画。无论
20、是画中的鸽子，还是花卉山石，用线都严谨讲究，鲜活生动，画面富贵典雅、生机盎然，画家借此表达了珍爱和平的思想感情。 （ 2） 中国画的技法形式 中国画主要有工笔、白描写意、勾勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿、设骨、泼彩、淡彩、浅绛等技法形式。它们的特点如下。 工笔：亦称“细笔”。工笔画用笔工整细致，敷色层层渲染，细节钢彻入微，以描绘被画对象的准确形象为准则。 白描：纯以画笔勾勒线条而不设色来描绘景物或形象的一种技法形式。白描是中国画的基础训练形式之一。其画作亦可成为独立 的绘画品种。 写意：俗称“粗笔”，与“工笔”对称。写意画法是指用单纯而概括的笔墨来表现对象的精神意态，是不
21、求形似神似的画法。钟增亚画的“红果”中那些浓湿粗涩的大笔触，烟雾般大块湿墨的渲染、烘托，让我们感到狭义的酣畅之感。大写意表现出的亭亭玉立少女及其衣裙，揭示出人物的静美、含蓄。在这里，写意渲染出的清雅秀丽，与周围的红果墨叶宛如合唱着一首优美的秋的乐章。 勾勒：用笔顺势称“勾”，逆势称“勒”，也有以单笔为“勾”，复笔为“勒”（使用于山水画中为“复”），以及称左为“勾”，称右为“勒”的。通常指用线条勾描物 象轮廓，不分顺、逆。勾勒要求有笔力。 7 泼墨法：古时的泼墨法是指将大量的墨泼洒在纸绢上，然后根据泼洒的墨色形状、深浅，再画成种种物象。现在意义的泼墨，则是指大笔饱蘸浓墨，阔笔大写，笔酣墨畅，一气
22、呵成之法。这种泼墨方法气势磅礴，墨彩生动丰富。 泼彩法：同泼墨法相似，用色量大、泼洒自如，多用石色，画出后厚重而又有变化，常画在墨色上，与墨色相映成趣。 浅绛：中国山水画中的一种设色技巧。即凡以淡红青色彩渲染为主的山水画，统称浅绛山水。其方法是先用浓淡、干湿变化之墨线勾勒轮廓结构变化之后，再施以淡的赭石渲染山石、 树木结构处。最后用淡花青类色渲染即成。 没骨画法：没骨画法是不用墨线勾勒，直接以色彩或墨色描绘物像的画法。 （ 3）中国画的画幅形式 中国画的画幅形式有壁画、屏障、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢。 中国画在世界美术领域中自成体系。作为一门民族艺术，具有极高的文化价
23、值和审美价值。它深深地扎根于中华民族深厚的文化土壤之中，经历了数千年的发展，形成了融会整个中华民族文化素养、审美意识、思维方式、美学思想和哲学观念的完整的艺术体系，创造了辉煌的民族绘画史，成为我们民族艺术的瑰宝，也是人类最优秀的 文化遗产之一。 9 宋代画家范宽 ，其代表作 溪山行旅图 ， 描绘的是关中景色。重山叠峰，草木蒙茸，山石坚硬，山势雄健，丰厚，虽是正面，却多变化，有空间感；山脚下开阔的路上，毛驴行人，动态准确生动，对关陕一带的地方景色描绘深刻、真实。他长于表现四季景色，行旅和“风月阴霁难状之景 ”， “皆写秦陇峻拔之势，图大幅宽，山势逼人。 ”范宽的作品，着重骨法，用墨比较深重 ，在
24、溪山行旅图表现的淋漓尽致。 10中国画的用纸？ 中国画用纸主要是宣纸、皮纸和绢等。 我国唐宋时代的画多画在绢上，元代以后才大量用纸作画。绢是一种丝 织品，现在已很少使用；现代作画多用宣纸。宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。这种纸用青檀树作主要原料，制作精细，纸的质地绵韧，色泽白雅，纹理美观，光而不滑，软而不脆。宣纸，作画墨色层次清晰，滋润有韵，历来被视为佳品。 宣纸分生宣和熟宣两类。熟宣是用矾水加工制过的，水墨不易渗透，可作工整细致的描绘，可反复渲染上色，适宜画青绿重彩的工笔山水，表现金碧辉映的 艺术 效果。生宣是没有经过加工的，吸水性和沁水性都强，易产生丰富的墨韵变化，以 之行泼墨法、积
25、墨法，能收8 水晕墨章、浑厚华滋的艺术效果。写意山水多用它。熟宣作画容易掌握水墨，但也容易产生光滑板滞的毛病。生宣作画虽多墨趣，但落笔即定，水墨渗沁迅速，不易掌握。故一般画山水者喜用半生半熟的宣纸，因其既有墨韵变化，又不过分渗沁，皴、擦、点、染都易掌握，可以表现复杂丰富的笔情墨趣。这种纸可以自己制作：用少许明矾溶入冷水中，用排笔蘸水均匀地刷 。 在生宣上，注意刷满，不可有漏痕。矾水的浓度。决定宣纸的生熟程度，刷前可蘸点矾水在舌上尝一尝，有轻微涩味即可，若过涩即成熟宣了。宣纸湿后极易破裂，可用旧报纸垫在下面，刷后连报纸一起揭下晾干。宣纸分生宣和熟宣两类。熟宣是用矾水加工制过的，水墨不易渗透，可作
26、工整细致的描绘，可反复渲染上色，适宜画青绿重彩的工笔山水，表现金碧辉映的艺术效果。生宣是没有经过加工的，吸水性和沁水性都强，易产生丰富的墨韵变化，以之行泼墨法、积墨法，能收水晕墨章、浑厚华滋的艺术效果。写意山水多用它。熟宣作画容易掌握水墨，但也容易产生光滑板滞的毛病。生宣作画虽多墨趣，但落笔即定，水墨渗沁迅速，不易掌握。故一般画山水者喜用半生半熟的宣纸，因其既有墨韵变化，又不过分渗沁，皴、擦、点、染都易掌握，可 以表现复杂丰富的笔情墨趣。这种纸可以自己制作：用少许明矾溶入冷水中，用排笔蘸水均匀地刷在生宣上，注意刷满，不可有漏痕。矾水的浓度。决定宣纸的生熟程度，刷前可蘸点矾水在舌上尝一尝，有轻微
27、涩味即可，若过涩即成熟宣了。宣纸湿后极易破裂，可用旧报纸垫在下面，刷后连报纸一起揭下晾干。 宣纸价格较贵，可选用东北的高丽纸、四川的夹江宣纸、江西的六吉纸，以及陕西、四川、贵州等地的夹皮纸来代替。它们价廉且性近于半生半熟的宣纸。 11中国画和油画的区别是什么？ 颜料本身上：油画是油性颜料，用油调色，国画用墨，或国画颜料（包 括矿物颜料和植物颜料） 画质上 :油画画在亚麻布等布料上，国画用的是宣纸 画的风格上：油画颜色多次覆盖，普遍较厚，有抽象，具象和印象；国画有的有留白，有的有题字，讲究意境，大多不写实 油画属于西洋画，国画是我国本土的东西，应该好区别 装裱方面：油画有框，没有玻璃镜片；国画有
28、的是玻璃框，有的就是卷轴，无框无镜片，可以卷起，方便携带 中国画可以一画有四季。散点透视。线条本身就蕴涵着一种精神。油画只能用焦点透视。 中国画：简称 “国画 “，在本世界美术领域内自成都市独特体系。它用毛笔、墨，和中国9 画颜料，在特制 的宣纸或绢上作画。在题材上有人物画、山水画、花鸟（卉）画动物画等之分。在技法上又可引为工笔画和写意画两种，各有蹊径，互有特色。在人物画方面，从晚周至汉、魏、六朝逐渐成熟。山水、花鸟等至隋唐之际，始独立形成画料。到五代、两宋、流派繁多，为高度发展阶段。元化水墨画盛行。明、清和近代，大体录袭前规。在各个时期中，都出现了不少革新造性的画家。在世界美术领域或中国画具
29、有鲜明的民族形式和独特风格。在描绘物象上，主动运用线条、墨色来表现形体、质感，有高度的表现力，并与诗词、款赋、书法篆刻相结合，达到 “形神兼备 “气韵生动的 效果。另外中国画，还有着独特的装裱形式，起到衬托画体的作用。 油画用透明的植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。 油画的产生 15 世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前 身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理 想的调和剂。一般认为， 15 世纪初期的尼德兰画家杨凡 艾克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶 解颜料的基础上 ,用亚麻油和核桃油作
30、为调和剂作画 ,致 使描绘时运笔流畅，颜料在画面上干燥的时间适中，易于 作画过程中多次覆盖与修改，形成丰富的色彩层次和 光泽度，干透后颜料附着力强，不易剥落和褪色。他们 运用新的油画材料创作，在当时的画坛很有影响。油画 技术很快在西欧其他国家传开，尤其在意大利的威尼斯得以迅速发展。 材料和工具 油画的主要材料和工具有颜料、画笔、 画刀、画布、上光油、外框等。 颜料，分矿物质和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物质颜料 ,由手工研磨成细末 ,作画时才进行调和。近代由工厂成批生产，装入锡管，颜料的种类也不断增加。颜料的性能与其所含的化学成分有关，调色时， 化学作用会使有些颜料之间 产生不良反应。因而
31、，掌握 颜料的性能有助于充分发挥油画技巧并使作品色彩经久 不变。 画笔，用弹性适中的动物毛制成，有尖锋圆形、平锋扁平形、短锋扁平形及扇形等种类。 画刀，又称调色刀，用富有弹性的薄钢片制成，有尖状、圆状之分，用于在调色板上调匀颜料，不少画家也以刀代笔，直接用刀作画或部分地在画布上形成颜 料层面、肌理，增加表现力。 画布，标准的画布，是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面 制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子， 或根据创作需10 要做成半 吸油或完全吸油的底子。布纹的 粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成
32、统一的画面色调 ,作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后 ,不 吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。 上光油，通常在油画完成并干透后罩涂上光油，保持画面的光泽度，防止空气侵蚀和积垢。 外框 ,完整的油画作品包括外框 ,尤其是写实性 较强的油画，外框形成观者对作品视域的界限，使画面显得完整、集中，画中的物象在观者的感觉中朝纵深发 展。画框的厚薄、大小依作品内容而定。古典油画的外 框多用木料 、石膏制成，近现代油画的外框较多用铝合 金等金属材料制成。 中国画主要使用线条、轮廓、画面淡雅来达到意境，而油画主要使用光影、真实、画面鲜艳来自写实。而且，两者的绘画用的颜料也不同，中国画主要用水分较多，颜
33、色素雅的颜料；油画主要使用粘黏性较大，色彩艳丽的颜料。中国画的画面给人颇附想象，优雅平静的感觉，油画则给人真实立体色彩明快的感觉。 12 如何欣赏中国画，从那些方面入手？ 欣赏一幅中国画作品，对于一般人来说，常常是能否 “看懂 ”作为评判标准。欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么 ？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲 “故事 ”的方法，对于绘画作品的欣赏往往过多借助 “文学性 ”的描述。用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实的，属于看得懂范畴。 但如果是粗放的。写意的作
34、品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏中国画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅中国 画作品的好坏，却不是以 “像 ”或 “不像 ”来衡量的。 就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。 那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，看画一般是看画面 的整体气势，用中国
